Uma imagem como essa acima não chega a chamar tanta atenção, mas se fosse o Gene Kelly encharcado, com guardachuva, qualquer um perceberia que se trata do filme Cantando Na Chuva. Particularmente, sempre me agradou bem mais a cena do fonoaudiólogo, uma parceria de Kelly com Donald O'Connor, na música Moses Supposes.
Eu sempre me impressiono. Olha o rosto do Gene, tão natural como se estivesse segurando um garfo...
Não é só nos musicais que os astros e estrelas do cinema cantam. Alguns dramas, comédias e até ficções-científicas já tiveram, entre as melhores cenas, aquelas em que alguém solta a voz. O BF reuniu alguns destes momentos na relação abaixo.
AFINADO NO AMOR
Anti-spoiler: se você não viu Afinado no Amor, é bom saber que o vídeo acima é do final do filme. Adam Sandler faz um cantor de casamentos que ostenta um coração partido no longametragem em que contracenou pela primeira vez com Drew Barrymore. Os dois voltariam a se encontrar em outra comédia romântica, o sucesso Como Se Fosse a Primeira Vez, com direito a mais um número vocal do ator.
HUDSON HAWK - O FALCÃO ESTÁ À SOLTA
Bruce Willis comeu o pão que o diabo amassou depois de fazer esse filme, malhado pela crítica e esquartejado pelo público. Mas é um trabalho subestimado e bem divertido. Serviu de válvula de escape para o ator de Duro de Matar soltar a voz ao interpretar standards do foxtrot, a exemplo de Swinging On a Star. O protagonista, um ladino com aversão a relógios, prefere usar músicas para sincronizar os passos de um roubo em parceria com Danny Ayello.Vale lembrar que Bruce Willis chegou a ter uma banda formada nos anos 90, que acabou não dando muito certo.
DE VOLTA PARA O FUTURO
Não foi Chuck Berry, mas Marty McFly quem criou Johnny B Good, clássico seminal do rock'n roll. A prova está no primeiro filme da série De Volta Para o Futuro, estrelado por Michael J. Fox, que tenta voltar para a própria época depois de ter sido deslocado para o passado.
BONEQUINHA DE LUXO
A mais bela cena do longametragem estrelado por Audrey Hepburn. George Peppard está no apartamento, tentando escrever, quando ouve alguém tocar a canção Moon River, escolhida especialmente para a atriz. A cena é feita sem qualquer extravagância, como se fosse um momento qualquer, aquele tipo de coisa que pode acontecer com qualquer um. Imagine...
CIDADE DAS SOMBRAS
Jennifer Connelly faz uma cantora nesta ficção científica bacaninha, mas superestimada. A atriz interpreta duas canções: Sway e The Night Has A Thousand Eyes. Destaque para a banda que a acompanha.
PARA O RESTO DE NOSSAS VIDAS
Hugh Laurie, o eterno Doutor House, é um dos amigos do sujeito rico vivido por Stephen Fry, que resolve reunir alguns velhos camaradas para que passem alguns dias em sua mansão. Nesta cena, Laurie toca ao piano The Way You Look Tonight, entoada junto a outros atores do elenco principal, que inclui Kenneth Branagh e Emma Thompson.
ESTRANHOS PRAZERES
Anos antes de criar uma banda que levaria seu nome, Juliette Lewis incorpora tudo o que há de rocker no mundo ao interpretar a canção Hardly Wait, em um dos pontos altos do filme ciberpunk de 1995. Na cena, ela é observada por um embasbacado Ralph Fiennes, que vive o ex-namorado da então moçoila.
ANTES DO PÔR-DO-SOL
É impossível não amar Julie Delpy. Depois de nove anos sem notícias do amor de juventude, a mulher encontra Ethan Hawke e a paixão, agora contida, volta a tomar conta dos dois. O filme todo é romântico até a medula mas, como se não bastasse, ela tinha que pegar o violão. E Hawke pediu a valsa. Continuação de Antes do Amanhecer, igualmente obrigatório.
10 COISAS QUE EU ODEIO EM VOCÊ
Antes de ser o Coringa em Batman - O Cavaleiro das Trevas e Bob Dylan em Não Estou Lá, Heath Ledger era um jovem com uma vida inteira pela frente, fazendo até comédia romântica teen. Nesta versão moderninha de A Megera Domada, de Shakespeare, o ator canta o hit sessentista Can't Take My Eyes off You.
LETRA E MÚSICA
A comédia romântica já valeria a pena pelos seis minutos iniciais, quando é exibido o clip do maior sucesso de uma típica banda de uma música só. É uma recriação sensasional dos vícios do pop oitentista, com sintetizadores e bateria abafada. Um ídolo fictício da época é justamente o personagem vivido por Hugh Grant, que aparece com cabelo Chitãozinho & Xororó e o infame babado no pescoço, absolutamente hilário. Devo ter visto um zilhão de vezes.
A BALADA DO PISTOLEIRO
Antonio Banderas cai nas graças do diretor Robert Rodriguez e vive o músico que busca vingança depois de ter a mão incapacitada para o violão. O mesmo filme traz o interesse amoroso do mariachi, Salma Hayek, cantando aos sussuros Quedate Aqui.
O TALENTOSO MR. RIPLEY
Para se aproximar da vítima de um plano maquiavélico, o maucaráter Tom Ripley faz uma imersão pelo melhor do jazz, passando por nomes consagrados como Chet Baker e Miles Davis. Matt Damon aparece cantando a intimista My Funny Valentine, entre outras.
JUNO
Michael Cera canta mal pra caramba, mas a bela Ellen Page salva o dueto de Anyone Else but You, executada ao final do filme indie que se tornou um sucesso de público e crítica.
DUETS - VEM CANTAR COMIGO
O filme que colocou a balada Cruisin no topo das paradas. A canção se dá em um dueto entre Gwyneth Palthrow e o roqueiro que faz o pai da loira, Huey Lewis, o mesmo do hit Power of Love, da série De Volta Para o Futuro.
ALTA FIDELIDADE
Jack Black faz bonito interpretando Let's Get It On, no filme baseado em obra de Nick Hornby. Vale a pena buscar a versão de estúdio gravada pelo mesmo ator, que tem menos maneirismos.
E se você quer mais, pode querer conferir os casos de atores e atrizes que se enveredaram pelo mercado fonográfico. Clique aqui.
O ganhador do Oscar de Melhor Canção, por Things Have Changed, do filme Garotos Incríveis, tem uma relação com o cinema tão antiga quanto irregular. Como diretor, tem duas obras dos anos 70, uma delas o surrealista Renaldo e Clara, e o outro, o documentário Eat the Document. Como ator, Bob Dylan participou de sete filmes, um para cada década de vida, sendo o último deles o obscuro Máscara do Anonimato, com Jeff Bridges. Como biografado, destaca-se o documentário No Direction Home, de Martin Scorsese, e Não Estou Lá, de Todd Haynes. Este último, na avaliação deste cinéfilo, é obra de valor em matéria de cinebiografia de músico, vertente muito popular no cinema estadunidense, uma vez que mais do que contar uma história, é feito à imagem e semelhança do personagem. Se The Doors, de Oliver Stone, tinha doses de psicodelia para apresentar o atormentado Jim Morrisson, o longa inspirado na vida de Bob Dylan usa um recurso interessante para tratar das várias facetas de um dos maiores nomes da música mundial. Cada uma desssas versões do mesmo homem são vividas por um ator diferente, sendo o melhor deles, uma mulher: Cate Blanchett. Vale conferir.
Se você gosta de trilhas sonoras para cinema pode curtir um pequeno jogo que certa vez encontrei na internet. Basta acessar este link. Antes de começar, pode ser interessante ter um cronômetro à mão. Na verdade, são três testes oferecidos pelo mesmo portal, sendo o terceiro ainda mais difícil que o segundo.
Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides, EUA, 2011). Direção de Rob Marshall. Com Johnny Depp, Penélope Cruz, Geoffrey Rush, Ian McShane, Kevin McNally, Sam Claflin, Astrid Berges-Frisbey, Stephen Graham, Richard Griffiths, Judi Dench, Keith Richards.
Renato Cordeiro
A resenha sobre o quarto exemplar da série Piratas do Caribe está seriamente comprometida por que este cinéfilo dormiu por pelo menos quinze minutos, dentro da sala de exibição. O fenômeno já havia acontecido no terceiro longametragem da franquia, No Fim do Mundo, de 2007, talvez pelos mesmos motivos. Ainda que uma desaconselhável sucessão de noites perdidas possa comprometer a disposição dentro do cinema, é bem verdade que as aventuras de Jack Sparrow vem se tornando maçantes faz tempo.
Navegando em Águas Misteriosas até consegue superar o trabalho anterior, mas não se trata exatamente de uma grande façanha, considerando-se que a última obra foi um momento esquecível da carreira do ator Johnny Depp. Logo no início do filme, a trama encadeia várias sequências de ação que não empolgam, incluindo uma perseguição em carruagens com ponta de Judi Dench. A bem da verdade, o protagonista continua carismático, mas a produção é longa e previsível demais para se carregar nas costas.
A trama é um arremedo daquelas narrativas gincana que marcaram os predecessores da série. O herói zarpa de um lugar para o outro, em busca da Fonte de Juventude, disputada por aliados de outrora e novos inimigos. O efeito é aquele já esperado: várias tramas paralelas que, forçosamente, vão parar em um mesmo destino. Um ponto positivo desta quarta produção começa pelo maior espaço oferecido ao mais novo integrante da saga, o vilão Barba Negra, vivido por Ian McShane, da saudosa série Deadwood. Bem melhor do que a constrangedora subutilzação de Chow Yun-Fat em No Fim do Mundo. Outro destaque é a luta com uma horda de sereias, que pontua o momento em que o filme volta a pegar ritmo, um tanto tarde demais.
O mais importante colaborador que tive, eu o digo sem hesitar, foi Nino Rota. A frase é de Federico Fellini, ao se referir ao compositor das trilhas sonoras dos maiores filmes do diretor italiano, a exemplo de Amacord, A Doce Vida e Oito e Meio. A declaração apenas reforça a importância da relação entre filmes e músicas, que remete à própria origem da sétima arte. Na época do cinema mudo, as salas de exibição contavam com músicos que embalavam as imagens em movimento. Com o tempo, a interação se tornou mais complexa, as trilhas foram reconhecidas como parte do que dá identidade a um longametragem, do mesmo modo que a montagem e a fotografia. Por isso mesmo, os compositores entraram para o grupo de profissionais de confiança dos cineastas, que delegaram aos primeiros a missão de criar temas capazes de realçar, sugerir e até embaralhar passagens da ação que se passa na telona.
Algumas parcerias entre cineastas e músicos parecem tornar as carreiras quase indissociáveis, como a dobradinha Steven Spielberg/John Williams, cuja sintonia deu o tom certeiro para partituras consagradas de Jurassic Park, E.T. e Indiana Jones, entre tantas outras obras. Reza a lenda que a tensa música de Tubarão permitiu uma assombrosa economia para os produtores do filme, por sugerir a presença do bicho, sem necessariamente mostrá-lo.
Vale citar ainda a prolífica colaboração entre Tim Burton e Danny Elfman, que deu origem a uma das trilhas preferidas deste cinéfilo, Snow Dance, de Edward Mãos de Tesoura. Winona Ryder sai de casa à procura do excêntrico hóspede vivido por Johnny Depp, quando se depara com o sujeito fazendo o acabamento de uma peça em gelo.
Por falar em cenas memoráveis com trilhas idem, é difícil pensar em Sergio Leone sem lembrar do maestro Ennio Morricone. Man With Harmonica é uma das melhores composições já feitas para um western, que não por acaso, embala o duelo final de um dos maiores westerns de todos os tempos, Era Uma Vez No Oeste. A sequência dura pouco mais de dois minutos, e é realizada em tom apoteótico, fechando com chave de ouro um filme espetacular, e também este post.
Apenas neste ano, duas grandes locadoras de filmes de Salvador fecharam as portas: a GPW, na Pituba, e a Stax, antiga filial da Blockbuster, na Barra. Hoje, em toda a cidade, há menos de setenta estabelecimentos do tipo, e boa parte sobrevive em condições inglórias. Em tempos de ostensiva pirataria, internet rápida, torrents e várias opções de filmes para download, abrir um negócio do tipo seria um belo exemplo de mau investimento. Mas o segmento vai ganhando novas unidades que convivem com outras que parecem resistir bem aos novos tempos, apostando em maior flexibilidade nos prazos de devolução, grandes acervos ou na qualidade do catálogo. Há espaço até mesmo para a segmentação. Quem transitar por algumas destas sobreviventes terá surpresas agradáveis, e o BF resolveu apontar alguns estabelecimentos da capital baiana que valem a visita.
Casa de Cinema Intitulada como a primeira locadora a apostar no segmento de cults e clássicos, funciona no mais boêmio bairro de Salvador. Então, entre um botequim e outro, experimente conferir este estabelecimento que fica no Shopping Rio Vermelho, Rua Odilon Santos. Os filmes são divididos em categorias como lançamentos, diretores e obras nacionais, a exemplo de longas do cineasta da Bahia Edgard Navarro. Tem site e uma decoração que privilegia charges bem simpáticas de personalidades da sétima arte. ATUALIZAÇÃO: Encerrou atividades em dezembro de 2011.
Vintage Vídeos Funciona no Jardim Brasil, bem perto do lugar onde funcionava a Stax, na Barra. Aberta há poucos meses, a Vintage aposta nos filmes clássicos e cults, sendo que os primeiros títulos disponibilizados eram do pai do proprietário. A maior parte dos mais de 3 mil filmes são organizados por diretor, com farta quantidade de longas de Hitchcock, Kurosawa e Bergman, entre outros. Prato cheio para o público sala de arte, mas conta também com alguns títulos mais populares, como a trilogia do Homem-Aranha e afins. Possui site e um pote de balinhas diversas em cima do balcão. Se houver de côco, não deixe escapar. Acaba rápido.
Vídeo & Cia
A região da Mouraria, em Nazaré, é muito conhecida pela pizzaria Napolitana, mas o cinéfilo tem motivos a mais para dar um pulo por lá. O acervo é grande, com destaque para a parte de clássicos e alguns títulos difíceis de encontrar em outros lugares, como a versão de Othello com Laurence Fishburne e Kenneth Branagh, O Homem do Terno Cinzento, obscuro longa com Gregory Peck, e Desirée - Um Amor de Napoleão, um dos primeiros trabalhos com Marlon Brando. Possui site e filial no Largo 2 de Julho, igualmente bem servida.
Vídeo Hobby A última das gigantes do segmento a se manter em atividade em Salvador tem ares de megastore. O estabelecimento na Avenida Manoel Dias da Silva reúne cafeteria, banca de revistas, venda de livros, aluguel de equipamentos e é possível até adquirir alguns títulos que eram da locadora, que tem site, filial na Graça e, provavelmente, é aquela que possui a maior quantidade de trabalhos em Blue-Ray.
A Culpa é de Fidel! (La faute à Fidel!, Itália/França, 2006). Direção de Julie Gavras. Com Nina Kervel-Bey, Julie Depardieu, Stefano Accorsi, Benjamin Feuillet.
Renato Cordeiro
Belo filme francês da cineasta Julie Gravas, que parece ter herdado do pai o gosto por filmes políticos. Mas A Culpa é do Fidel! passa longe das angústias e acidez dos filmes de Costa-Gravas. Pela ternura e delicadeza do roteiro, lembra mais as desventuras do dedicado Alexander Kerner de Adeus, Lênin!, quando fatos políticos levam pessoas comuns a terem sua rotina virada de pernas pro ar.
Essa menininha aí em cima, na foto, é Anna de la Mesa. O sobrenome é estranho, mas é o menor dos problemas da jovem. Levava uma vida tranquila com os pais e o irmão caçula em uma bela casa na França, onde tudo estava em perfeita ordem. Até que seu tio espanhol é preso e morto pelas convicções políticas. Subitamente, os pais de Ana se tornam ativistas e se engajam na causa comunista. Mas como explicar pra menina que diabos é um comunista? Por que ela não pode mais estudar religião na escola católica? E quem são os barbudos que passam a andar na sua casa?
O filme também tem parentesco próximo com o italiano A Vida é Bela e, ainda mais, com o brasileiro O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias. Como deu pra notar, a narrativa se concentra nas mudanças vivenciadas pela pequena protagonista, e não dá pra não falar o óbvio: esta Nina Kervel-Bey é um achado. A atriz-mirim está sempre com um olhar que oscila entre o tédio e a irritação frente à nova condição, e consegue convencer o espectador das transformações que começam a se passar dentro dela. A cena em que se depara sozinha com os amigos comunistas dos pais é ao mesmo tempo singela e hilariante.
Uma das primeiras vítimas do Jason Vorhess foi Kevin Bacon. Quem diria, não é? Era apenas a quarta participação do rapaz no cinema. Os grandes atores têm que começar de algum lugar, e muitos passam por um ou outro trabalho de sangue, sustos e eventuais seios à mostra - Jamie Lee Curtis, a musa de Halloween, que o diga. Pensando nisso, o BF montou uma lista com produções de terror estrelados por atores antes da fama. Fica a sugestão para quem quiser montar a próxima sessão de filmes de horror. Se um ou outro trabalho for ruim, dá pra rir do mico alheio.
HALLOWEEN: Jamie Lee Curtis ainda hoje é uma musa do gênero, como o próprio filme Pânico atesta. A HORA DO PESADELO: Johnny Depp, antes da fama, como o namorado da mocinha. SEXTA-FEIRA 13: Kevin Bacon, em pequena participação. CRIATURAS 3: Primeira aparição de Leonardo DiCaprio no cinema. O DUENDE: Segundo longametragem com Jennifer Anniston. Sim, aquela de Friends. A LOJA DOS HORRORES: Jack Nicholson, em um trabalho do rei dos filmes B, Roger Corman. ANACONDA: É, aquele da cobra gigante do Brasil. Terceiro trabalho do Owen Wilson. PREDATOR - THE CONCERT: Primeiro longa de George Clooney, contracenando com Laura Dern. Há quem diga que Batman e Robin é Cidadão Kane perto disso aqui.
Quem se lembrar de mais, fique à vontade para citar...
Deus e o Diabo na Terra do Sol (Brasil, 1964). Direção de Glauber Rocha. Com Geraldo Del Rey, Yoná Magalhães, Othon Bastos, Maurício do Valle, Lidio Silva, Sonia Dos Humildes, João Gama.
Renato Cordeiro
O filme mais famoso de Glauber Rocha não é feito para entreter. Ou melhor, não é feito para entreter do jeito tradicional. O cineasta baiano tem na sua obraprima um instrumento de provocação, uma metralhadora de imagens contra a opressão e sofrimento que pode vir do estado, da igreja, do latifúndio e, em última análise, da mais pura ignorância.
Geraldo Del Rey vive Manoel, um vaqueiro humilde que se rebela contra os abusos do patrão, típico exemplar do coronelismo nordestino. A atitude em si está longe de ser uma redenção, já que o homem se torna um joguete, uma pessoa à mercê de um salvador, buscando a quem seguir na figura de um líder religioso e, posteriormente, na de um cangaceiro. O primeiro é um fanático que faz as vezes de um Antônio Conselheiro, com direito ao conhecido bordão sobre o mar que vai virar sertão. O segundo é ninguém menos que o lendário Corisco. Em paralelo, o filme acompanha o matador de aluguel Antônio das Mortes, contratado a contragosto para dar cabo dos que ameaçam o status quo.
Algumas cenas carregam na lentidão, exigindo paciência do expectador acostumado com a estética videoclipada contemporânea. O longa flerta com o surrealismo e a chamada montagem ideológica, tão cara ao cinema soviético. As imagens são costuradas não necessariamente para apresentar acontecimentos, mas sim idéias, que também ganham vazão em músicas interpretadas por Sérgio Ricardo, escritas por Glauber Rocha sob inspiração do cordel. Filmado em Monte Santo, no interior baiano, Deus e o Diabo Na Terra do Sol foi indicado à Palma de Ouro, em Cannes.
Mais Forte Que a Vingança (Jeremiah Johnson, EUA, 1972). Direção de Sydney Pollack. Com Robert Redford, Will Geer, Delle Bolton, Josh Albee, Joaquín Martínez, Allyn Ann McLerie.
Renato Cordeiro
Belas paisagens naturais? Confere. Protagonista branco em busca de isolamento? Confere. Casamento entre protagonista branco e índia? Confere. Índios retratados como seres humanos? Confere. À primeira vista, Mais Forte Que a Vingança segue a tradição dos chamados westerns revisionistas reunindo algumas das situações mais recorrentes, mas a obra não se limita aos chavões. O trabalho conta com bela orquestração do cineasta Sydney Pollack, responsável por um filme intimista, que se desenvolve lentamente, mas mantém o interesse até o belo final.
A trama é centrada na história de Liver Eatin' Johnston, um solitário montanhês que realmente existiu e era conhecido por escapar de várias emboscadas de índios. Robert Redford, nome costumeiramente ligado a um cinema de viés mais político, vive o personagem-título que busca deixar a vida pregressa e se isolar nas mais altas regiões do Oeste. Ele dá sorte e, no meio daquela região gelada, se depara com um eremita mais experiente na arte da sobrevivência, que passa algumas dicas para o novo vizinho. O veterano é responsável pelos momentos mais engraçados e até o mais comovente do longa, que não cabe entregar neste comentário.
Os personagens secundários são mostrados de forma econômica, o que faz todo o sentido para a trama, e apresentam ao espectador as ameaças que esperam pelo protagonista. Até mesmo um montanhês que já aparece morto cumpre bem o papel de boas vindas, em outro dos melhores momentos da produção. A cantiga executada periodicamente, sobre os feitos de Jeremiah Johnson, soa irritante no começo, mas acaba ajudando a reforçar o tom biográfico.
Um Homem Chamado Cavalo (A Man Called Horse, EUA, 1970). Direção de Elliot Silverstein. Com Richard Harris, Judith Anderson, Jean Gascon, Manu Tupou, Corinna Tsopei, Dub Taylor, James Gammon.
Renato Cordeiro
Boa parte dos westerns que mostram a imersão do homem branco na cultura indígena faz parecer que é algo fácil. De Flechas de Fogo, nos anos 50, até Dança com Lobos, nos 90, as agruras retratadas no cinema costumam se limitar a uma ou outra comida indigesta e costumes matrimoniais engraçadinhos. Em Um Homem Chamado Cavalo, a coisa é bem diferente. Para ser aceito entre os nativos, o protagonista come o pão que o diabo amassou.
Richard Harris faz um inglês que é capturado por uma violenta tribo da nação Sioux, sendo posteriormente humilhado e transformado em um animal de carga a serviço de uma idosa. Aos poucos, ele se afeiçoa à comunidade e acaba provando que tem algum valor. Como sempre acontece neste tipo de produção, um cupido pele-vermelha flecha o coração do sujeito, que cai nos encantos de uma bela jovem. Mas para se casar com a moça, vai ter de passar por um ritual que mais parece ter saído de Jogos Mortais.
O trabalho dirigido por Elliot Silverstein não é grande coisa enquanto cinema, tem até alguns cortes bem feios em uma cena de luta entre o herói e dois índios de outra tribo. Mas vale pelo esforço, digamos, antropológico, inclusive sendo rodado em uma reserva de nome bem sugestivo, a Rosebud, em Dakota. E apesar de ser o mesmo lugar que viria a servir de locação para Dança com Lobos, as tribos apresentadas são muito diferentes, até mesmo no que diz respeito aos nomes do atores. Kevin Costner esteve na companhia de Floyd 'Red Crow' Westerman e Percy White Plume. Harris teve de se enturmar com James Never Miss a Shot e Ross Kills Enemy.
Trovão Tropical (Tropic Thunder, EUA/Alemanha/Reino Unido, 2008). Direção de Ben Stiller. Com Ben Stiller, Robert Downey Jr., Jack Black, Jay Baruchel, Brandon T. Jackson, Danny R. McBride, Steve Coogan, Nick Nolte, Tom Cruise, Bill Hader, Matthew McConaughey, Tobey Maguire.
Renato Cordeiro
Um belo ponto marcado por Ben Stiller. Ele não é lá um diretor primoroso, há inclusive um problema de ritmo em Trovão Tropical, que cai um pouco no meio do filme. Mas este é um trabalho muito divertido, tanto pelas ótimas atuações, incluindo participações especialíssimas, quanto pelo roteiro cheio de boas sacadas. A trama apresenta o elenco de um longametragem de guerra que se envolve em um conflito de verdade, seguindo uma fórmula idêntica a de comédias bacanas como Os Três Amigos e Heróis Fora de Órbita. Mas em comparação com estas produções, Trovão Tropical aproveita melhor a metalinguagem para tirar sarro de Hollywood, graças ao trio de protagonistas que busca reconhecimento profissional. Stiller é um astro de filmes de ação; Jack Black vive um comediante viciado em drogas; e Robert Downey Jr. é o ator de renome que vive obcecado pelos personagens que representa. O elenco traz ainda Nick Nolte, Matthew McCounaghey e Tom Cruise, que defende um papel absolutamente impagável. As referências também são um deleite para os cinéfilos, parodiando clássicos como Platoon, Apocalipse Now e O Resgate do Soldado Ryan. Nem os próprios atores escapam das gozações, como se pode constatar no trailer falso que nos apresenta ao personagem de Downey Jr, claramente inspirado em Garotos Incríveis.
Renato Cordeiro Lembro de certa vez em que meu irmão assistia um filme romântico que foi um grande sucesso de público nos anos 90. Provavelmente foi o único cara que deixou pra ver aquela produção em home video. O final era, digamos, triste, mas até então ele não sabia. É quando alguém passa por perto, vê uma cena e diz, sem qualquer cerimônia: "tanta agonia e corre-corre só pra depois o mocinho morrer. Tsc." É claro que a revelação antecipada do desfecho da trama, o famigerado spoiler, acabou com o barato dele.
É bem verdade que um bom filme não se perde por causa do spoiler, mas que dá vontade de esganar o linguarudo, isso dá. Curiosamente, o cinéfilo que aqui escreve, crente de que esse desagradável fenômeno se dava apenas na vida social, certa vez viu algo do tipo acontecer em um número da revista Trip, também na década de 90. A resumida sinopse de um longametragem indicava algo vital a respeito do personagem interpretado por Bruce Willis. Felizmente eu já havia assistido a produção, mas imagino quantos leitores quiseram o fígado de quem escreveu aquilo.
Para evitar essas situações desagradáveis, a Universidade de Virginia, nos EUA, teve uma idéia que é possivelmente a mais importante depois da invenção da roda: um software capaz de detectar textos que dizem mais do que deveriam. Por enquanto, o anti-spoiler só funcionaria para material em inglês da internet. Informações da Superinteressante.
Se você ficou preocupado por não ter esta ferramenta, o BF dá uma mãozinha e traz abaixo uma lista de filmes com finais surpreendentes. Assim, se você topar com textos sobre os longas, pode evitá-los antes de ser alvo de um estragaprazeres. A relação consta no livro 10+ do Cinema, de Denerval Ferraro Jr. E não se preocupe, não contamos o final de nenhum deles.
O Sexto Sentido, de M. Night Shyamalan, 1999. Os Suspeitos, de Bryan Singer, 1995 Clube da Luta, de David Fincher, 1999 O Suspeito da Rua Arlington, de Mark Pellington, 1999 O Planeta dos Macacos, de Franklin J. Schaffner, 1968 O que Terá Acontecido a Baby Jane?, de Robert Aldrich, 1962 A Vida de David Gale, de Alan Parker, 2003 Os Outros, de Alejandro Almenábar, 2001 Coração Satânico, de Alan Paker, 1987 O Grande Truque, de Christopher Nolan, 2006
Flechas de Fogo (Broken Arrow, EUA, 1950). Direção de Delmer Daves. Com James Stewart, Jeff Chandler, Debra Paget, Basil Ruysdael, Will Geer, Joyce Mackenzie, Arthur Hunnicutt.
Renato Cordeiro
Dizer que Flechas de Fogo é um precursor do western revisionista é também afirmar que esta categoria começou com pé direito. O filme transcorre diante do espectador sem qualquer extravagância formal, mas com suavidade exemplar, méritos do editor J. Watson Webb Jr. e do cineasta Delmer Davis. Uma cena simples, mas envolvente, mostra o personagem de James Stewart, um homem que busca encontrar ouro em território Apache, tentando convencer um índio "domesticado" a ensiná-lo a língua e os costumes dos inimigos. Enquanto isso, um amigo acompanha a conversa sem acreditar no que está ouvindo. Diálogos rápidos, cortes perfeitos, câmera se movendo levemente entre os três atores em cena, sem arroubos, em um ritmo que é amostra do que será assistido até o fim da produção.
Não que seja uma obra despretensiosa. Há uma bandeira que tornaria o longametragem um clássico singular, por ser um dos primeiros a colocar em xeque as convenções do faroeste - mais especificamente, a forma como o gênero retrata os índios. O trabalho certamente aproveita a experiência pessoal do cineasta, que ainda jovem, viveu um período em contato com a população indígena. Logo no início da trama, James Stewart se depara com um jovem apache ferido e o socorre. O garoto revela que precisa retornar à família, já que a mãe deve estar chorando de preocupação. Imaginar a cena de uma mulher chorando pelo filho como faria uma branca desperta no protagonista o desejo de rever os conceitos sobre aquelas pessoas.
Filmes mais recentes chamam atenção da crítica quando demonstram as mazelas da sociedade estadunidense. Avatar, o superestimado sci-fi de James Cameron, foi ovacionado por colocar os humanos como vilões que, tomados de ganância pelos recursos naturais alheios, tentam destruir um povo alienígena em seu próprio planeta natal. Convenhamos, não é nada de original e rendeu uma comparação imediata com Dança Com Lobos. Assim como Dança com Lobos foi comparado a Flechas de Fogo. Os três longas tem em comum a tentativa de um homem encontrar a paz em uma sociedade que lhe é estranha, mas convidativa pelo desapego ao materialismo e a possibilidade de uma vida em comunidade. Tom Jeffords é um aventureiro que busca uma trégua com os apaches para que permitam a chegada de correspondência à cidade onde mora. Era para ser um acordo para obter ganhos pessoais, mas ele logo se identifica com o chefe da tribo, Cochise, e o que era para ser um discurso, a necessidade de paz entre os povos, se torna um objetivo concreto. O longa cativa pela relação entre dois homens que se admiram e tentam colaborar mesmo arriscando a posição junto aos respectivos grupos. O ponto baixo de Flechas de Fogo é a dispensável subtrama romântica, que dilui o trabalho e consegue até estragar o final do filme.
Rio (EUA, 2011). Direção de Carlos Saldanha. Com Jesse Eisenberg, Anne Hathaway, Jamie Foxx, Will I Am, Leslie Mann, Rodrigo Santoro, Bebel Gilberto.
Renato Cordeiro
O brasileiro ainda tem dificuldade em se ver no cinema estrangeiro. Há boas razões para isso. Muitos gringos ainda pensam que nosso território se divide em praias e florestas, e outros ainda acreditam que nossa capital é Buenos Aires. Volta e meia algo assim vai parar em um filme e a repulsa é inevitável. Infelizmente, sobrou para Rio, justamente um longametragem que conseguiu mostrar a brasilidade sem cair em uma estereotipia idiota, mas que agora se vê sob ataque. Não que a animação não mereça ser condenada, mas os problemas aqui não passam pela maneira como retrata a Cidade Maravilhosa. O roteiro é que não presta, mesmo.
Blu é uma arara azul brasileira criada pela jovem Linda como bicho de estimação nos Estados Unidos. Ela acaba cruzando o caminho do ornitólogo Túlio e fica sabendo que o pássaro pertence a uma espécie em extinção. Eles embarcam para o Rio de Janeiro para providenciar o acasalamento com Jade, uma fêmea cascagrossa, mas os planos vão por água abaixo quando os animais caem nas mãos de contrabandistas. A posterior fuga do cativeiro serve como pretexto para o resto do filme, que mais do que contar uma boa história, se preocupa em descortinar a capital fluminense. É algo como um belo cartão postal em forma de animação, e não muito mais do que isso.
Nos primeiros 15 minutos de Rio, você já sabe como tudo vai terminar. É lamentável e curioso como projetos deste tipo, que tanto evoluíram tecnicamente, não são mais ousados do ponto de vista da trama. Inevitavelmente, o longametragem perde força na metade final, especialmente por se dedicar tanto a personagens secundários absolutamente dispensáveis e criar situações forçosas. A pior delas é uma passagem no carnaval carioca que, apesar de muito boa tecnicamente, se revela gratuita e patética.
Curiosamente, o que salva Rio, justamente, é a brasilidade. Não por acaso, o diretor é o brasileiro Carlos Saldanha, responsável pela trilogia A Era do Gelo. Há samba, carnaval, favelas, crime, paixão pelo futebol, praia e a malandragem tupiniquim. De forma estilizada, é verdade, mas sem qualquer tipo de caricatura ofensiva. Uma amiga deste cinéfilo citou uma cena realmente simpática, quando Linda e Túlio estão no trânsito e um grupo de pessoas animadas atravessa a pista. Uma mulher consegue sambar e caminhar ao mesmo tempo, com uma desenvoltura que surpreende a estrangeira. "Nossa, ela é dançarina profissional?", pergunta. "Não, é minha dentista", responde Túlio. Esse é um ponto forte do filme: fazer com que o espectador enxergue o Rio de Janeiro por olhos estrangeiros, usando elementos que estão presentes no cotidiano canarinho. Bem diferente das cenas toscas de Feitiço do Rio, no qual Michael Cane se vê em uma praia onde todas as mulheres fazem topless e algumas tem até um mico nos ombros...
Uma página do Facebook convida a um saboroso desafio: dar pitacos sobre os filmes que, de diferentes maneiras, marcaram a vida do usuário. Como o nome sugere, 30 Day Film Challenge traz uma missão que dura 30 dias, cada um deles dedicado ao post de uma obra que atenda os critérios específicos da lista abaixo:
Day 1 - Your Favorite Film Day 2 - Your Least Favorite Film Day 3 - A Film You Watch to Feel Good Day 4 - A Film You Watch to Feel Down Day 5 - A Film That Reminds You of Someone Day 6 - A Film That Reminds You of Somewhere Day 7 - A Film That Reminds You of Your Past Day 8 - The Film You Can Quote Best Day 9 - A Film With Your Favorite Actor (Male) Day 10 - A Film With Your Favorite Actor (Female) Day 11 - A Film By Your Favorite Director Day 12 - A Film By Your Least Favorite Director Day 13 - A Guilty Pleasure Day 14 - The Film That No One Expected You To Like Day 15 - The Film That Depicts Your Life Day 16 - A Film You Used to Love, But Now Hate Day 17 - Your Favorite Drama Film Day 18 - Your Favorite Comedy Film Day 19 - Your Favorite Action Film Day 20 - Your Favorite Romantic Film Day 21 - Your Favorite Sci-Fi/Fantasy Film Day 22 - Your Favorite Horror Film Day 23 - Your Favorite Thriller/Mystery Film Day 24 - Your Favorite Animated or Children's Film Day 25 - Your Favorite Documentary Film Day 26 - Your Favorite Foreign Language Film Day 27 - Your Favorite Independent Film Day 28 - The Most Obscure Film You've Ever Seen Day 29 - Your Favorite Film As a Kid Day 30 - Your Favorite Film This Time Last Year
De acordo com o criador, a brincadeira é uma versão da página30 Day Song Challenge. Até o momento deste post, mais de 17 mil pessoas já participavam do desafio.
Férias Frustradas (Vacation, EUA, 1983). Direção de Harold Ramis. Com Chevy Chase, Beverly D'Angelo, Anthony Michael Hall, Dana Barron, Imogene Coca, Randy Quaid, James Keach, Eugene Levy, John Candy.
Renato Cordeiro
A Sessão da Tarde não é mais como antigamente. A frase é de senso comum, mas é a inevitável conclusão de quem revisitar Férias Frustradas, um dos maiores clássicos do programa vespertino que marcou época nos anos oitenta. O público que a atração tem hoje, acostumado com cachorrinhos que jogam basquete ou espiões juvenis, talvez não tenha visto algo tão politicamente incorreto. Na sátira que faz das famílias estadunidenses, o filme mais parece um precursor de Os Simpsons. Não é tão bom, entretanto.
Chevy Chase é Clark Griswold, um pacato panaca que leva a família para uma viagem estrada afora até o maravilhoso parque de diversões Walley World na Califórnia. Desde a compra do carro para a jornada, o que se tem é uma sucessão de desventuras. O plot é um pretexto para o longametragem costurar várias piadas e situações pouco lisonjeiras ao Tio Sam. O malandro pobre de Chicago, uma família caipira sujismunda e a idosa que só serve para resmungar são alguns dos personagens que constam no roteiro de John Hugues, o aclamado cineasta da geração Clube dos Cinco.
A direção é de Harold Hamis, o Egon de Os Caça-Fantasmas. Há participações de nomes do primeiro time de comediantes da época, a exemplo de John Candy e Eugene Levy. Mesmo assim, a obra não funciona tão bem. É muita piada, algumas sem graça, e pouco cinema. A comédia demora para pegar um bom ritmo, sendo que na primeira metade chegam a ocorrer cortes bem grosseiros na edição. Era para o espectador rir apenas das piadas, não dos deslizes do filme.
72 Horas (The Next Three Days, EUA/França, 2010). Direção de Paul Haggis. Com Russell Crowe, Elizabeth Banks, Michael Buie, Olivia Wilde, Brian Dennehy, Helen Carey, Liam Neeson, Daniel Stern.
Renato Cordeiro
Uma expressão muito usada quando se comenta uma produção cinematográfica é o ator fulano carrega o filme nas costas. A frase trata de qualquer trabalho que tem no desempenho do intérprete o motivo para que o espectador permaneça na sala de cinema. Seria uma injustiça fazer isso com 72 Horas, que tem bom ritmo, é bem filmado e apresenta uma trama até interessante. Mas que Russell Crowe é um fator importante para o sucesso do longametragem, isso é.
Crowe intepreta John Brennan, um pacato professor de história que vê a vida ficar de pontacabeça quando a esposa, Lara, é presa sob acusação de assassinato. Ela é condenada e durante anos o marido tenta libertá-la, enquanto procura criar o filho e evitar que hostilize a mãe, alvo frequente de comentários na escola. Mas quando o advogado perde as esperanças de conseguir tirá-la das grades, Brennan parte para uma medida desesperada: executar um plano de fuga para a mulher.
O roteiro é competente em dar ao filme uma certa credibilidade, com um discurso de que dedicação, inteligência e coragem podem tornar possível o inacreditável. John traça os planos de de fuga de maneira meticulosa, sem o conhecimento de Lara e, em um dos melhores momentos da película, se encontra com um homem que cometeu a façanha de fugir de prisões várias vezes. É uma breve mas agradável participação de Liam Neeson no seu papel mais consagrado: o de mentor.
Russell Crowe domina o papel com maestria, fazendo do personagem um sujeito cativante pelo amor incondicional pela esposa e pela evidente fragilidade e medo diante da própria decisão. O diretor tem tanta segurança do desempenho do intérprete que não hesita em fechar vários planos no rosto angustiado que dá vida a John Brennan. Uma das cenas mais interessantes neste sentido é aquela que se passa dentro do carro do professor, que precisa recorrer a métodos perigosos para conseguir financiar a empreitada. Cumprida a missão, já dentro do veículo, a câmera mantém um longo planosequência no rosto de Crowe, que só precisa das expressões faciais para descrever toda a narrativa à sua frente.
Seria ótimo se o roteirista e diretor Paul Haggis tivesse se dado ao trabalho de dar um tratamento à altura para Lara, que não é muito mais do que a esposa na prisão. Ao contrário, o filme chega a criar uma sequência absolutamente forçada em uma rodovia, que deixa o espectador até mesmo duvidando da sanidade da personagem. Pior do que isso, só a cena final, uma desnecessária prestação de contas de 72 Horas com a consciência do público que torcia por um final feliz.
